Diseñadores de interiores legendarios de cada década del siglo XX

Diseñadores de Interiores Legendarios de Cada Década del Siglo XX

"Pensar en el diseño es difícil, pero no pensar en ello puede ser desastroso", dijo Ralph Caplan, el columnista de diseño de larga trayectoria y editor de la revista I.D., a Debbie Millman en su podcast "Design Matters". Caplan, sin duda, tenía razón.

Los diseñadores de interiores se encuentran en la primera línea para mantener a raya tales desastres, concibiendo y creando espacios para que la gente los use y disfrute. Ya sea una residencia, un restaurante, un museo, un hospital o un centro comercial, existen preocupaciones prácticas y estéticas para diseñar interiores funcionales, hermosos y exitosos. "Para que una casa tenga éxito, los objetos que la componen deben comunicarse entre sí, responder y equilibrarse", dijo Andrée Putman, la diseñadora francesa cuyo trabajo en el Morgans Hotel de Nueva York ayudó a lanzar la popularidad del hotel boutique en 1984, a LuxDeco.

Aunque todos los diseñadores tienen influencia, ¿qué hace a una leyenda? La evocación de un nombre es, sin duda, una consideración, pero no debe serlo todo. Algunos nombres prominentes del siglo pasado faltan en esta lista —Jean-Louis Deniot, Billy Baldwin, Parish-Hadley— pero en su lugar, se abre una oportunidad para destacar el trabajo de diseñadores de interiores que también han forjado un camino singular, cuyas visiones crearon obras con un efecto duradero en la actualidad. Algunos incluso abrieron puertas —un gesto muy necesario y difícil en el exclusivo mundo del diseño de interiores.

Con esto en mente, Lazzoni Modern Furniture revisó publicaciones como The New York Times y The New Yorker, exposiciones de museos y revistas de diseño como Architectural Digest y Veranda para destacar a 10 de los diseñadores de interiores más influyentes de cada década del siglo XX.

Sepia Times/Universal Images Group vía Getty Images

1900s: Candace Wheeler

Considerada una de las primeras diseñadoras de interiores profesionales, Candace Wheeler es a menudo llamada la "Madre del Diseño de Interiores" por su papel en el establecimiento del campo y por alentar a otras mujeres a incursionar en él.

Una mujer de clase media y feminista, creía en el poder de la economía. Comenzó su carrera abogando por que las mujeres usaran sus habilidades en las artes decorativas para crear negocios propios e independientes a través de la Society of Decorative Art.

Con otros tres diseñadores, incluido Louis Comfort Tiffany —un vástago del famoso joyero Charles L. Tiffany—, formó Associated Artists, una firma de diseño que comenzó en 1879 y se disolvió en 1883. Wheeler se especializó en textiles y, a lo largo de los años, trabajó con celebridades como Cornelius Vanderbilt II y grandes literatos como Mark Twain. La notable carrera de Wheeler abarcó desde el siglo XIX hasta la década de 1920, y animó a muchas diseñadoras a seguir sus pasos.

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Agencia Fotográfica General/Archivo Hulton // Getty Images

1910s: Elsie de Wolfe

Al igual que Candace Wheeler, Elsie de Wolfe es a menudo acreditada como la primera diseñadora de interiores. Su larga y pionera carrera también resultó en una prominencia que abrió el campo del diseño a otras mujeres.

Aunque Wheeler la precede, de Wolfe, una actriz profesional que comenzó en el diseño de interiores con un encargo en 1905 para el Colony Club de Nueva York, organizado por poderosas mujeres de la época con nombres como Astor, Morgan y Whitney.

Quizás eso se deba a su pura audacia de ignorar las convenciones en favor de hacer las cosas a su manera —en la vida y en el arte—, una tendencia facilitada por su riqueza de conexiones sociales gracias a su estatus de clase. En cualquier caso, su diseño para el club evitó la habitual atmósfera victoriana sombría y formal por un estilo casual y luminoso lleno de capricho y la consolidó como la decoradora de referencia para la alta sociedad; entre sus clientes se encontraban Henry Clay Frick y el Duque y la Duquesa de Windsor.

Para la década de 1910, tenía encargos en todo el país, un showroom en Nueva York y una fiel legión de admiradores de sus libros, que llevaron su elegancia a un público masivo.

El legado de De Wolfe se mantiene fuerte gracias a los muchos elementos que introdujo en el vocabulario del diseño y que aún prevalecen hoy en día —espejos, chintz y decoupage fueron todas sus señas de identidad— y debido a todos los diseñadores a quienes mentoreó e inspiró.

George C. Beresford/Hulton Archive // Getty Images

1920s: Eileen Gray

La diseñadora y arquitecta irlandesa Eileen Gray merece ser mencionada junto a Le Corbusier, Mies van der Rohe y Marcel Breuer como una maestra del modernismo. No solo trabajó con varios de estos hombres, sino que también fue pionera en el uso elegante del cromo y el acero en el mobiliario junto a ellos o —en el caso de Le Corbusier— antes que ellos.

Tras estudiar dibujo y pintura, se formó con el experto Seizo Sugawara para aprender la difícil técnica de la laca japonesa. Gray aplicó estas habilidades en sus encargos de interiores, incluido el fabuloso apartamento de la Rue de Lota que diseñó para Juliette Mathieu-Lévy. Gray creó las alfombras y gran parte del mobiliario para la casa, incluida su famosa silla Bibendum, cuyo nombre se inspiró en el Hombre Michelin. La silla sigue produciéndose en la actualidad. Gray vendió sus elegantes creaciones en una tienda de su propiedad bajo el nombre de Galerie Jean Désert, lo que ocultaba su género.

Aunque la importancia de su obra pasó en gran parte desapercibida durante su vida, las contribuciones de Gray, incluida su casa E-1027 en el sureste de Francia y la mesa ajustable E-1027 que diseñó para ella, son ahora consideradas grandes logros en la humanización y transformación de la austeridad del modernismo para que satisfaga mejor las necesidades de los seres humanos reales.

Irving Browning/The New York Historical Society // Getty Images

1930s: Harold Curtis Brown

Sigue siendo difícil documentar y comprender con precisión la influencia de los diseñadores de interiores negros debido al racismo sistémico al que se han enfrentado estos creativos en Estados Unidos. A pesar de que se les negó el acceso al éxito general, muchos de los primeros diseñadores de interiores negros hicieron contribuciones duraderas al campo, un trabajo que está siendo descubierto por historiadores como Michael Henry Adams, autor de "Style and Grace: African Americans at Home".

Harold Curtis Brown, un diseñador de formación clásica que trabajó en París y Washington D.C. antes de llegar a la ciudad de Nueva York, creó los interiores de algunos de los clubes de jazz más famosos de Harlem durante la era del Renacimiento, incluido el legendario Cotton Club. Junto con varios otros clubes nocturnos, Brown también diseñó los interiores del Hotel Navarro, un edificio de 25 pisos construido en 1926 que se transformó en un hotel Ritz-Carlton en la década de 1980.

Para un diseñador en la mitad de su carrera y obteniendo encargos cada vez más importantes y caros, algo extraño sucede en 1938: Brown desaparece. Adams cree que el diseñador pudo haber empezado a hacerse pasar por blanco para avanzar en su carrera.

Casi un siglo después, hay más diseñadores negros prominentes que nunca (Cecil Hayes, Sheila Bridges, Nicole Gibbons y Brigette Romanek, por nombrar solo algunos). Aun así, persiste la necesidad continua de una mayor diversidad en la industria.

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Edward Lynch/Colección de fotografías de periódicos New York World-Telegram & the Sun/PhotoQuest/Getty Images

1940s: Dorothy Draper

Como muchos diseñadores de interiores tempranos, Dorothy Draper provenía de una cuna privilegiada, y hábilmente construyó la ventaja de su riqueza y estatus social en su negocio desde sus inicios en 1923.

Autodidacta, lucía una figura glamurosa con su moda y tenía un sentido infalible de su propio estilo, una confianza que le dio el coraje para crear lo único que no se suponía que debía tener: una carrera. Desde sus primeros grandes encargos de hoteles en la década de 1930 (Carlyle Hotel, Hampshire House) hasta su trabajo más reconocido y perdurable, su masiva remodelación del complejo Greenbrier, el diseño de marca "barroco moderno" de Draper cambió lo que se consideraba buen gusto y, en el proceso, creó el Hollywood Regency. Algunas de las firmas de Draper incluían combinaciones de colores audaces y atrevidas, suelos en blanco y negro, molduras ornamentadas, mucho chintz y puertas pintadas de colores vivos.

Sus diseños visionarios para sus clientes corporativos incluían todo, desde la decoración hasta el diseño del menú, los uniformes del personal e incluso los fósforos. Muchas de sus creaciones siguen siendo icónicas hoy en día: elaborados marcos de espejos, las lámparas de araña con forma de jaula de pájaros que instaló en el restaurante del Met y, por supuesto, el chintz de rosas.

Los Angeles Times vía Getty Images

1950s: Norma Williams Harvey

Como diseñadora principal de interiores en la firma de arquitectura de Paul Revere Williams, Norma Williams Harvey es un raro y conocido ejemplo de diseñadora negra de prominencia antes del Movimiento por los Derechos Civiles.

Norma trabajó para su padre, Paul (en la foto), uno de los arquitectos más influyentes de Los Ángeles y el primer miembro negro americano del Instituto Americano de Arquitectos. Diseñó más de 2.500 edificios en Los Ángeles y más allá, y fue considerado "el arquitecto de las estrellas" por su trabajo con clientes de Hollywood como Cary Grant, Danny Thomas, Lucille Ball y Desi Arnaz.

Uno de los proyectos en los que Norma dirigió los interiores fue un apartamento de soltero en una colina para el recién soltero Frank Sinatra en Bowmont Drive en Beverly Hills. El cantante quería una casa moderna y sofisticada construida alrededor del sistema de audio de la sala de estar. Norma, quien proporcionó todos los muebles y la decoración, tomó el modernismo japonés del concepto de su padre (separadores de ambientes en lugar de paredes) y realzó el drama con un contraste impactante en los colores (sofás blancos, muebles lacados en rojos, naranjas y negros de alto brillo).

Cuando la casa apareció en el programa de televisión "Person to Person" y Sinatra hizo un recorrido, comentó sobre varios objetos personales que su agudo ojo había colocado de manera prominente en la casa, como una fotografía de sus tres hijos. El programa, como la casa, fue un gran éxito.

Ray Fisher // Getty Images

1960s: Florence Knoll

Quizás ninguna diseñadora tuvo una influencia más duradera en el aspecto y la función de la oficina corporativa que Florence Knoll, quien revolucionó el lugar de trabajo con sus diseños elegantes y reflexivos que siguen siendo omnipresentes hoy en día.

Knoll fue protegida y amiga de la familia del arquitecto modernista Eliel Saarinen. Cuando Knoll se asoció en la empresa de muebles de su marido en la década de 1940, aportó su influencia Bauhaus, su pensamiento innovador y su rigurosa ética de trabajo, fundando el estudio de diseño interno conocido como Knoll Planning Unit.

Su filosofía de "diseño total" adoptó un enfoque holístico para crear entornos que priorizaban la transparencia, la flexibilidad y la utilidad, y fue pionera en grandes espacios de trabajo abiertos en lugar de oficinas privadas para crear oficinas modernas y acogedoras.

Algunas de las corporaciones más grandes de la época—IBM, CBS, General Motors—fueron sus clientes. Creó muchos diseños icónicos que todavía están en producción hoy en día y encargó dos de las piezas de mobiliario moderno más conocidas: la silla de alambre Bertoia y la silla womb de su amigo Eero Saarinen.

En 1964, The New York Times la llamó "la figura más poderosa en el campo del diseño moderno". Su influencia pionera permanece hoy, con museos coleccionando su trabajo y los catálogos de Knoll aún mostrando sus diseños.

Sharland // Getty Images

1970s: Tony Duquette

Un ícono maximalista en el diseño y en la vida, Tony Duquette, nacido en Los Ángeles, llevaba el diseño en la sangre: su tío abuelo trabajó con William Morris, y el propio mecenas de Duquette no fue otro que Elsie de Wolfe.

Después de trabajar como diseñador de tiendas en la década de 1930, comenzó a trabajar como freelance para algunos de los diseñadores de interiores más populares de Hollywood, como William Haines y James Pendleton. También trabajó en la industria del cine, creando vestuario (con Adrian) y decorados.

La magia de Hollywood era parte del ADN de diseño de Duquette, y su trabajo es conocido por transformar objetos mundanos como artículos de tiendas de dólar y espejos en diseños lujosos. Después de abrir su salón en la década de 1950 con su esposa, a quien llamaba "Beegle", entre sus invitados se encontraban personajes importantes de Hollywood, desde Aldous Huxley hasta Greta Garbo.

A lo largo de las décadas de 1960 y 1970, Duquette viajó por Europa, las Américas y, a veces, más allá. Entre sus clientes se encontraban influyentes mecenas de las artes como Doris Duke, Norton Simon y J. Paul Getty. Les encantaba su uso dramático del color, su opulencia de "más es más" y su originalidad absoluta, y durante décadas, viajó por el mundo realizando encargos, creando interiores teatrales, hermosas joyas y su logro cumbre: su propiedad Dawnridge.

Ningún otro diseñador epitomiza tanto el exceso bohemio y el encanto de la década como Duquette, y sus diseños continúan inspirando hoy en día: los íconos de la moda Tom Ford y Kelly Wearstler lo citan como una influencia.

 

ILIR BAJRAKTARI/Patrick McMullan vía Getty Images

Década de 1980: Mario Buatta

Conocido como el Príncipe del Chintz por su frecuente uso de telas florales, Mario Buatta creó un estilo que podría llamarse shabby-chic si no sonara barato. Trabajando para clientes adinerados y elegantes como Mariah Carey, Malcolm Forbes y Billy Joel, los interiores de Buatta proyectaban comodidad y lujo, y estaban llenos de antigüedades costosas.

Al igual que Tony Duquette, el diseñador italoamericano comenzó su carrera trabajando para una tienda departamental y luego bajo la tutela de otros decoradores prominentes, en este caso, Rose Cumming y Dorothy Draper. Sin embargo, el trabajo de los diseñadores británicos John Fowler y Nancy Lancaster pareció haber inspirado más a Buatta, quien tomó su estilo de casa de campo inglesa y lo hizo suyo con chintz sobre chintz, colores saturados, volantes y adornos.

En lugar del minimalismo austero de la década de 1960 o la experimentación salvaje de los años 70, los diseños de Buatta son pura exuberancia anglófila de los 80: piense en los vestidos de Laura Ashley, la presidencia de Regan y una obsesión por Lady Di, todo envuelto en chintz y atado con un lazo.

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Frazer Harrison // Getty Images para Airbnb

Década de 1990: Kelly Wearstler

Así como ciertos arquitectos como Frank Gehry son "arquitectos estrella", algunos diseñadores de interiores son nombres conocidos, y Kelly Wearstler es sin duda uno de ellos. Conocida por sus diseños audaces, la sensibilidad única de Wearstler incorpora de todo, desde el modernismo de mediados de siglo y el Hollywood Regency hasta el barroco al estilo Tony Duquette.

Su papel a finales de la década de 2000 como jueza en el popular programa de televisión "Top Design" le otorgó un estatus de celebridad más allá del mundo del diseño, pero fue en 1995 cuando la gigante del diseño comenzó abriendo su propio estudio de diseño de interiores. En esa misma década, conocería a Brad Korzen, un desarrollador hotelero que necesitaba un ojo perspicaz para los interiores para revivir el lamentable estado de sus propiedades recién adquiridas, incluyendo un hotel Avalon de 1949 convertido en residencia para ancianos y una casa de huéspedes en Beverly Hills, California. Wearstler cumplió y obtuvo el reconocimiento por una serie de proyectos en la década de 2000 que establecerían un nuevo estándar para los hoteles boutique de lujo.

El espíritu de los años 90 impregna su trabajo en el sentido de que es difícil precisar su amplia estética que toma lo que le gusta del pasado y lo reconfigura con un toque distintivo. Ya sea uno de sus muchos hoteles, casas o entornos comerciales, o un objeto de su extensa línea de productos (textiles, iluminación, muebles e incluso moda), las creaciones de Wearstler son instantáneamente reconocibles como suyas, es un estilo que ha demostrado ser popular, lo que la convierte en una de las diseñadoras contemporáneas más solicitadas también del siglo XXI.

Escrito por Andrea Richards